上の写真を見てください。雫が今にも落ちそうです。
ピアノで音を鳴らす時も、この小さな雫を水面に落とすような繊細さを持っていたいと思います。せっかくの美しい雫ですから、その形を崩さないまま、ぽたんと落とし、水面に大きな波紋を広げたいですよね。
ピアノで美しい音を一音だけ鳴らしたい時も同じです。良いタイミングを見計らい、指を整え、鍵盤の適切な場所に触れて打鍵する。そうすれば、その一音が波紋のように空気を伝い、どこまでも響いていくように感じられます。
子どもの頃、私は音色についてよく注意されました。そして今は、自分が生徒さんたちに伝えています。
「音をよく聴く」
「響かせる」
「叩いた音を出さない」
「音が濁らないように」
これらの問題は、「音を聴く」ことで、ほとんど解消できるのではないかと思います。
しかし、そこが一番難しいところです。
音を聴くとは、一体どういうことなのでしょう。きちんと聴こえているものを、これ以上どう聴けばよいのでしょうか。
暗譜と「音を聴くこと」を追求するのは、ピアニストにとって永遠のテーマなのかもしれません。
今回は、ピアノを弾く時の「音の聴き方」について考えてみます。
かつてヨーロッパを中心に活躍したピアニスト、原智恵子さんは、アルフレッド・コルトーから多くの影響を受けています。コルトーは、彼女にこのようなことを言ったそうです。
細工をしないこと。音を遠くから呼んできなさい。近くの手元で出そうとしないこと。再構築すること。
引用元：石川康子『原智恵子 伝説のピアニスト』p.181
石川康子さんの『原智恵子 伝説のピアニスト』は、ハイライトや付箋だらけになるほど何度も読んだ本ですが、その中でも、このコルトーの言葉には強く心を動かされました。
この言葉を知って以来、演奏する時にはいつも「音を遠くから呼ぶ」と心の中で唱えています。そうすると不思議なことに、自分の思い描いた音が空中を舞い、遠くへ運ばれていくように感じられるのです。
小学生の頃から大学を卒業するまで師事した先生には、音色や響く音を作るための指の使い方を細かく教えていただきました。しかし、それを本当の意味で理解するまでには、随分と長い年月がかかりました。
コルトーの「音を遠くから呼ぶ」という言葉は、それまで私が学んできたことのすべてが、その中にすっぽりと収まってしまうような、深く腑に落ちる言葉でした。
「自分の音をよく聴く」というアドバイスは、すでに鳴っている音に耳を傾けるようにも受け取れるため、少し分かりにくい表現なのではないかと思うことがあります。
しかし、音楽において自分の音を「聴く」とは、ただ鳴った音を受け取るだけではありません。まず、どのような音を出したいのかを頭の中で思い描き、実際に鳴った音と聴き比べ、必要に応じて次の音へ反映させていく、極めて能動的な行為です。
コルトーが言うように、これから弾こうとする最初の一音、あるいはその先に続くパッセージを、遠くから呼び寄せるように頭の中で描き、それを自分の手元へ導くようなイメージを持つ。そう考えると、「自分の音を聴く」という言葉が、ようやくしっくりくるように感じます。
生徒さんたちには、出してもらいたい音をできるだけ言葉で説明し、それをもとに音をイメージしてもらっています。例えば、「柔らかい音」「遠くまで届く音」「水面に波紋が広がるような音」などです。
音をイメージしてから実際に鳴らし、思い描いた音と聴き比べる。この練習を重ねることで、自分の音を聴くことに少しずつ慣れ、その感覚をつかめるようになるのではないでしょうか。
よく響く音が出た時には、手や腕も自然で無理のない状態になっていることが多いものです。もちろん、手の形や力の抜き方など、生徒さんの身体の使い方を見ながら教えることも、とても重要です。
しかし、形を先に作ろうとするだけでなく、「どのような音を出したいのか」を先に考えることで、その音にふさわしい手や腕の使い方へ、身体が自然に導かれるものだと思っています。
そうは言っても、音をイメージしたからといって、それがすぐに演奏に表れるわけではありません。そこで、もう一つ助けになるのが、耳を鍛えることではないでしょうか。
巨匠たちの演奏をただ聴くだけでなく、音の質感や響きの変化など、細かなところに意識を向けてみると、新しい発見があるかもしれません。音色や強弱によって音がどのように変化するのかなど、気づけることなら何でもよいと思います。特に心に残った部分を、自分の演奏に取り入れてみるのも楽しいものです。
以前お世話になったシュクリペック先生は、「巨匠の真似をしてもいい。最初は模倣かもしれないが、そのうち必ず自分のものになる」とおっしゃっていました。
同じ楽器を演奏していても、誰一人として同じ音を出すことはできません。楽器を通して、その人自身の個性が表れるからです。
巨匠の演奏には、そこに至るまでに積み重ねられた長い経験があります。そのため、何度か聴いただけで、同じような演奏ができるわけではありません。しかし、心に残った音を頭の中で再生できるほど繰り返し聴き、それを自分の身体を使って再現する方法を探していく。その過程から、多くのことを学べるのではないでしょうか。
自分の中に音や作品全体のイメージを育てていくためには、年齢や経験にかかわらず、基礎を一つずつ積み重ねていくことが大切です。
エチュードや基本的な作品を学ぶことで、クラシック音楽を演奏するために必要な考え方と身体の使い方が身についていきます。また、バロック、古典派、ロマン派、近現代と、各時代の作品に幅広く触れることで、それぞれの時代にふさわしい音色やタッチ、フレージングの違いも学ぶことができます。
それと並行して、調性や和声などの基礎的な音楽理論も学んでおくと、楽譜に書かれた音の意味や曲の成り立ちを、より深く理解できるようになります。
このような学習を積み重ねるほど、さまざまな音型や身体の動かし方が身につき、譜読みも速くなります。そうなれば、練習やレッスンの中で、音色やフレージング、作品全体の構成など、より音楽的なことを考えるために多くの時間を使えるようになります。
また、テクニックが身につけば、演奏できるレパートリーも広がり、自分の中に蓄えられる音や表現のイメージも豊かになっていきます。
これまでさまざまな試行錯誤を重ねてきましたが、今、私がたどり着いているのは、音楽において何より大切なのは、頭の中にどれだけ明確に音を思い描けるかという考えです。あと10年、20年と弾き続ければ、考え方もまた変わっていくかもしれませんが、現時点ではそのように感じています。
そのため、曲を勉強する時には、どのような音を出し、どのようなフレーズを作りたいのか、そして曲全体をどのようにまとめたいのかを、できるだけ明確にするようにしています。
では、頭の中に思い描いた音を、実際の音にするにはどうしたらよいのでしょうか。
心地よい演奏は、やはり美しく表情豊かな音があってこそだと思います。そのために、なるべく避けたいのが、鍵盤を上から叩くような弾き方です。
私自身、良い音を出そうと一生懸命になればなるほど、かえって理想の音から遠ざかってしまうことがありました。「一生懸命に弾きすぎないこと」「力を入れないこと」と、先生からもよく言われました。
練習には一生懸命取り組む。しかし、弾く時には余計なものを少しずつ取り除き、無駄な動きや力を削ぎ落としていく。そうすることで、自分の音を聴く余裕が生まれ、良い音色にも近づけるのではないでしょうか。
「叩く」という動作を思い浮かべると、指を上から下へ振り下ろす動きになります。そのように弾くと、音が鍵盤の下へ落ちてしまうように感じられ、遠くで聴いている人にまで響きが届きません。
音は遠くへ届けたいものです。そこで、打鍵する方向を下ではなく、音を上へ飛ばすようにイメージすると、響きが変わってきます。
このイメージは、音色だけでなく、速いパッセージを弾く時にも役立ちます。一音ずつ下へ叩いていては、音楽がなかなか先へ進みません。音の流れを前へ前へと運ぶように考えることで、指を上から下へ振り下ろす動きが減り、パッセージも自然に進みやすくなるように思います。
一つのイメージ、一つの身体の使い方によって、音は変わります。心の通った美しい音で、幸せなエネルギーに満ちたメロディーを奏でたいですね。